Анимализм (лат. animal — животное)
Анималистический жанр возник еще в древности, когда первые люди рисовали на скалах хищных животных. Постепенно это направление переросло в самостоятельный жанр, подразумевающий выразительное изображение любых животных. Анималисты обычно проявляют большой интерес к животному миру, например, могут быть превосходными наездниками, держать домашних животных или просто длительно изучать их повадки. В результате замысла живописца животные могут представать реалистичными или в виде художественных образов.
Среди русских художников многие отлично разбирались в лошадях, например, В. Васнецов и В. Серов. Так, на известной картине Васнецова «Богатыри» богатырские кони изображены с величайшим мастерством: тщательно продуманы масти, поведение животных, уздечки и их связь с наездниками. Серов недолюбливал людей и считал лошадь во многих смыслах лучше человека, из-за чего часто изображал ее в самых разных сценах. И. Шишкин хотя и рисовал животных, анималистом себя не считал, поэтому медведей на его знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» создавал анималист К. Савицкий.
В царское время особо популярными стали портреты с домашними животными, которые были дороги человеку. Например, на картине В. Боровиковского императрица Екатерина II предстала с любимой собакой. Животные присутствовали также на портретах К. Маковского, З. Серебряковой, К. Брюллова и других русских художников.
У примитивистов Н. Пиросмани и Л. Гудиашвили животные выходили особенно трогательно с живыми глазами, словно бы они оживали на картинах.
Примеры картин известных русских художников в жанре анимализма
Картина В. Васнецова «Богатыри». 1881–1898 гг.
Картина В. Серова «Купание лошади». 1905 г.
Картина В. Боровиковского «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». 1794 г.
Картина И. Шишкина и К. Савицкого «Утро в сосновом лесу». 1889 г.
Картина Н. Пиросмани «Белая корова на черном фоне».
Портрет (фр. portrait — изображение)
Этот жанр подразумевает изображение внешнего или внутреннего облика одного человека или нескольких людей. То есть это не только повторение форм и линий конкретной фигуры, но и идейно-художественная работа над внутренним миром человека. Сам термин portrait изначально применяли к любому объекту, который можно изобразить, пока в семнадцатом веке не стали применять его только к человеку.
В Древнем Египте портреты (вначале скульптурные) создавали только для того, чтобы вернувшаяся после судилища душа умершего могла найти погребенное тело и поселиться в его мумии (скульптуре). С X-XII веков портрет применяли для надгробий, чеканили на монетах, изображали в книгах. Чаще всего этого удостаивались знатные особы. Расцвет жанра начался с эпохи Возрождения, когда человеку отводилась особая роль в мире. В России жанр портрета развивался в эпоху Средневековья, а первые портреты относятся к 11-13 векам.
Портреты делят на парадные и камерные. В первых художник должен возвеличить важную персону, потому ее обычно изображают в праздничной одежде в роскошных интерьерах или пейзажах в полный рост. Во вторых фон бывает менее помпезным, а самого человека изображают только по плечи, грудь или пояс. Парадные портреты создавали, например, Б. Кустодиев, В. Боровиковский, О. Кипренский, а с камерными вариантом работали А. Харламов, П. Челищев, А. Самохвалов, А. Яковлев и другие.
Отдельно стоит выделить портреты-миниатюры, которые вставляли в медальоны, носили в футлярах или табакерках. Одним из виртуозов в этом жанре был В. Боровиковский. И еще жанр автопортрета, когда художник изображал сам себя. Такая картина во многом позволяет понять мировоззрение художника, его видение себя. Большинство мастеров хотя бы однажды рисовали автопортрет, а некоторые создавали их десятками (например, В. Попков).
С развитием авангардизма портретный жанр также коснулись коренные преобразования. Вместо классических вариантов на сцену вышли раздробленные кубофутуристические портреты Ю. Анненкова, А. Богомазова, Н. Гончаровой, А. Лентулова, модернистские портреты Б. Григорьева, яркие импрессионистские картины К. Коровина и А. Архипова, орфические версии С. Делоне, скульптурная живопись В. Ермилова и многие другие.
От античности до наших дней
Искусство передачи светотени принадлежит древним грекам, далеко продвинувшимся в направлении реалистичной живописи. Однако популярность наполненных объемом и чувственностью монументальных произведений быстро угасла, уступив место вазописи. Зато новый прием полюбился римлянам, питавшим страсть к украшательству интерьеров. В высокохудожественных росписях стен прослеживается использование воздушной и линейной перспектив.
Живопись в средние века обрела религиозный характер. Художники более не стремились отображать на холстах реальность. Стала важна передача духовности. Даже если произведение не являлось иконой, все равно оно было лишено объема и перспективы. Персонажи располагались на одной линии и выглядели плоскими, примитивными.
Все изменилось с приходом эпохи Ренессанса. Художники, следя за настроениями в обществе, старались угадать модные тенденции в живописи и следовать им. Пейзаж и портрет стали независимыми жанрами. Появились новые техники. Все выглядело чинно и благородно вплоть до 17-18 вв., когда католическая церковь утратила былую значимость и власть. Мастера живописи, не опасаясь более инквизиции, начали писать максимально правдивые картины, отображающие истинный облик людей той эпохи, их обыденную жизнь.
В этот же период формируются новые стили: рококо, барокко, маньеризм, классицизм. Появился и романтизм, вскоре сменившийся более эффектным и неоднозначным импрессионизмом. Кардинальные перемены история живописи претерпевает в начале 20 века. Возникает абстракционизм — направление, призванное донести до зрителя эмоции художника, состояние его души в момент создания полотна.
Больше нет необходимости писать согласно канонам. Художники стремятся к самовыражению. Их фантазия дает толчок к зарождению новых стилей и их направлений, ответвлений. Несмотря на это, даже в нынешнем 21 веке любовь к классической живописи остается в силе.
История возникновения и развития живописи
История живописи берет свое начало с той поры, когда человек впервые изобразил что-то на поверхности с помощью краски. Случилось это, согласно научным данным, 40-12 тысяч лет назад, в эпоху позднего палеолита. Об этом свидетельствуют сохранившиеся наскальные росписи в пещерах на территориях Южной Франции, Северной Испании и других стран.
Рисунки были выполнены с помощью земляных красок, цвет которых варьировался, в зависимости от примесей в почве. Например, природный желтый пигмент охра «водился» там, где велико содержание железа. Окислившийся же металл придавал земле характерный ржавый оттенок. Коричневую, бурую, зеленоватую краску, известную как умбра, находили в почвах, богатых окислами марганца. Не гнушались древесным углем и сажей.
На стены пещер красящий пигмент наносился кусочками меха, расщепленными палочками, пальцами. Изображения животных, а позднее — охотничьих сцен получались выразительными и правдивыми, несмотря на отсутствие композиционного начала. Первые запечатленные фигуры людей появились в 8-4 вв. до нашей эры. Цветовая гамма стала обширнее благодаря появлению пигментов, добытых методом перетирания в порошок пестрых минералов (лазурит, киноварь). Тогда же, в эпоху неолита появились казеин, альбумин, гуммисмолы и другие связующие. Смешение их с разноцветной каменной мукой давало краски различной консистенции.
В античный период «наскальная» живопись была уже на более высоком уровне. Связанная, как правило, с заупокойным культом, она носила повествовательный характер. Появилась композиционная завязка: соотношение, расположение человеческих фигур указывало на имевшую место иерархию от господина до раба; бытовые, батальные сцены рассказывали о перипетиях жизни людей той эпохи.
